Hoy, en Un Escritor En Apuros, te traemos una nueva entrevista. Si anteriormente habíamos hablado con algunos profesionales que están al pie del cañón de la producción guionística cinematográfica, ahora vamos a mostrar un enfoque distinto, el de una profesora de guion cuya misión es darle sentido a la inmensa cantidad de chorradas y desvaríos con los guionistas y escritores somos capaces de poner sobre el papel. Su nombre es Raquel Pereira (Raque Mersí en la ficción), y así docente para la Escuela de Cine de Valencia Nucine durante más de cuatro años, aparte de haber trabajado por su cuenta con su productora The Smoke Seller Front, con la cual escribió, dirigió y editó un documental sobre el rock amateur en España titulado “On Tour” (2011).
Raquel Pereira
1. Gracias tu labor como profesora de guion, por tus manos pasan (y han pasado) muchísimos guiones de jóvenes aspirantes a guionistas. A la hora de encarar su lectura, ¿hay algo que te transmita a simple vista buenas vibraciones sobre el material que estás a punto de leer? ¿De qué se trata?
En primer lugar me fijo en la presentación, las faltas de ortografía, el formato adecuado… Porque aunque parezca que no, ayuda mucho en la lectura, de hecho es algo que no me canso de repetir, nadie leerá tu guión si no usas el formato adecuado. Son muchos los guionistas noveles que no cuidan estos detalles.
Otra cosa en la que me fijo bastante es en la capacidad de síntesis, tener una buena sinopsis que refleje el tono, la historia y presente bien a los personajes principales es un claro síntoma de haber trabajado mucho en la historia. Esta es otra de las cosas que a los guionista noveles les cuesta admitir, se enfrentan a la reducción de su historia a la mínima expresión con pánico, sienten que quedará deslucida porque no podrán transmitir el alma de su historia.
Después en la lectura de guión me fijo en lo “literario” que sea el guión, los guionistas noveles pecan de escribir de una forma excesivamente literaria. El uso de tiempos verbales inadecuados también es algo que suele darse, el guión se escribe en presente y esto tiene mucho que ver con esa querencia literaria que tenemos al principio.
2. Y ese radar tuyo, ¿se suele equivocar o todo lo contrario, la mayoría de las veces acierta?
No voy a decir que no me equivoque, habitualmente si se da alguna de estas cosas de las que he hablado podemos estar ante un buen material, un diamante en bruto, pero que, innegablemente, va a necesitar muchas horas de reescritura. El guión no es solo una idea brillante, son millones de horas de reescritura, ahí es donde hacemos que la historia tenga alma, transmita fuerza y vida.
3. ¿Hay alguna diferencia entre escribir un largometraje y un cortometraje? ¿Cuáles, según tú?
Ambos son formatos cinematográficos, pero a día de hoy depende qué tipo de largo y qué tipo de corto estamos haciendo variarán.
Para mí es muy importante tener en cuenta el tiempo, no es lo mismo escribir una historia en 5 minutos que para 90, pese a que siempre vamos a tener un planteamiento, nudo y desenlace, de la longitud del metraje va a depender esa estructura de nudos, puntos de giro, etc.
Es algo parecido a actuar para teatro y para cine, mientras que el teatro requiere una interpretación explosiva, es decir, hacia fuera, el cine requiere casi siempre lo contrario, si no la sobreactuación destrozará la peli, pues aquí ocurre un poco lo mismo, el corto es un formato absolutamente independiente, más libre, ideal para experimentar y el largo requiere una mayor estructura que vaya tejiendo y dosificando la información. Un guionista es un dosificador de información, cuanto más larga sea la historia, más compleja será su estructura y mejor dosificador tendrá que ser.
4. ¿Qué errores cometen con más frecuencia los guionistas noveles?
Como he comentado a menudo no se usa bien el formato de guión y se escriben guiones con una perspectiva muy literaria, en tiempos verbales que no corresponden.
Por otro lado a veces descuidan la creación de personajes, no profundizan demasiado en ellos y muy habitualmente fallan los diálogos, no se utilizan las voces de los personajes, los diálogos de unos y otros apenas tienen matices diferentes, este es uno de las grandes carencias de los guionistas noveles, deben escuchar a sus personajes, buscar referencias en el mundo real de cómo hablaría su personaje.
Por otro lado también se da con cierta frecuencia escribir historias que no conocemos lo suficiente, el guión no es sólo sentarte a escribir, requiere una investigación previa del mundo que queremos retratar y esto a veces falla.
También suelen verse acotaciones técnicas de movimientos de cámara o indicaciones a actores que son innecesarias (esa labor la realizará el director) y que además dificultan la lectura del guión. Un guión debe entrarte como si estuvieses escuchando una novela radiofónica básicamente, que cuando lo acabes, lo hayas visto.
5. Gracias al avance y al abaratamiento de las nuevas tecnologías, grabar un corto está al alcance de cualquiera que tenga un móvil. ¿Crees que se le presta al guion de estas pequeñas piezas amateur suficiente atención? ¿Qué porcentaje le concedes a un guion del éxito de un corto?
Creo que ocurre algo bastante insólito en este sentido. Por ejemplo, he tenido alumnos que no están rodando porque sueñan hacer su corto con una cámara Red One o similar y su historia son dos localizaciones interiores y 5 minutos de metraje. Están muy contaminados del cine que les gusta, a menudo un cine muy difícil de producir en España a lo Reservoir Dogs, Star Wars, superhéroes, etc., incluso alguno me ha comentado hacer cosas en 3D, cuando su guión a lo mejor no era más que el esbozo de una situación, pero carecía de un gran conflicto.
Desde mi perspectiva de “hazlo tú mismo”, intentar hacer ese corto con un equipo perfecto puede ser maravilloso si algún día lo consigues, pero si es tu segundo o tercer corto después de haber salido de una escuela, es muy probable que ni siquiera la construcción del guión sea demasiado buena. Un segundo o tercer corto, yo lo haría aunque fuera con la cámara del móvil, pero lo haría, porque te equivocarás en millones de cosas y la inversión no sería rentable, de hecho hay mil formas de justificar el uso de cámaras de móvil o similar con un poco de creatividad. Ajusta la historia a tus medios, no al revés. ¿Crees que en este caso la historia es tan buena como para esperar años a tener ese equipo para realizarla?
Sin embargo hay gente que no ha hecho nada, me refiero a que no ha estudiado guión ni dirección, y está grabando cosas con los medios más mínimos y acaba sorprendiendo, puede que las historias no estén del todo bien tejidas, pero está haciendo cosas y sobre todo están manejando su creatividad sabiendo con qué cuentan, cosa que no sucede tanto en las escuelas.
Para mí, un realizador con 20 cortos malos, es un director de cine que al 21 seguro nos sorprende y quizás antes, porque a hacer cine se aprende sobre todo haciendo cine y analizando cada error que has cometido para no hacerlo en el siguiente, con lo que ese recorrido es el mejor aprendizaje, eso sí recomiendo saber tejer las historias antes de ponerse a esa tarea, pues la frustración en montaje luego es grande, pero si tengo que elegir, me quedo con el tipo que graba con el móvil todo lo que pasa a su alrededor, al fin y al cabo está observando la vida y ese es el mejor aprendizaje del cineasta.
6. Hagamos un poco de estudio sobre temáticas. ¿Has detectado que haya alguna temática preferida por los cortometrajista noveles? No sé, sobre esquimales caza-orcas o mesas de billar con doble personalidad…
Bueno, es cierto que como he comentado antes, desde las escuelas te encuentras con mucho Tarantiniano, también es bastante habitual el cine de terror, zombies y vampiros, principalmente. Por otro lado también se repiten historias con moralina sobre embarazos no deseados de jóvenes y maltrato a la mujer. Debo decir que aunque los temas pueden ser frecuentes, no es algo que me parezca malo, al contrario, los temas tratados en las historias de ficción versan sobre temas universales y de estos hay muy pocos, la vida, la muerte, el ser humano, el amor, la venganza…
Lo que sí me parece preocupante es la homogeneidad en el punto de vista, habitualmente en cada convocatoria leo historias que son un calco de otras que he leído en el pasado.
“Un mundo apocalíptico en que sólo hay zombies y cuatro humanos que luchan para cargarse a todos los zombies”.
“Una historia de amor de una humana con un vampiro que se enfrentarán al resto de humanos y a los vampiros”.
“Una chica que se queda embarazada y el novio la planta ante la disyuntiva de aborto o no aborto”.
“Una ama de casa que sufre en silencio el maltrato de su marido hasta que acaba muerta”.
El tema puede ser cualquiera, pero sólo nos sorprenderá si el punto de vista de quién está detrás nos presenta algo nuevo y debo decir que esto es un problema de falta de observación del mundo real y un exceso de consumo enlatado de ficción y medios de comunicación que tienden a homogeneizar cada vez más los puntos de vista.
7. En ese caso, sería recomendable buscar historias diferentes, ¿no? O al menos un enfoque novedoso.
A esto me refería en el punto anterior, la historia puede ser Romeo y Julieta, pero ¿qué pasaría si Julieta de repente se hace con 2 kilos de Goma-2 y vuela a los Capuleto y Montesco, mientras Romeo tiene un affair con un tipo para probarse que no es homosexual? Rompe tu historia, sal de los clichés, lee el periódico, busca referencias de la vida real, te sorprenderá.
8. ¿Es una chorrada someter a un corto a un análisis de guion antes de rodarlo?
No sólo no lo es, si no que yo recomiendo hacerlo con cualquier texto. Yo habitualmente analizo cortos de gente con una perspectiva de producción, es decir no solamente la historia sino la forma de producción sabiendo cuáles son sus necesidades, qué busca y cómo llevar a cabo el proyecto, lo que hemos dicho anteriormente, adapta tu historia a tus medios y no al revés. El corto es un escenario para investigar, buscar tu estilo, probar cosas, el balance entre creatividad-riesgo debe estar claramente inclinado a lo primero. Este es el momento de centrarte absolutamente en la concepción de buenas historias y la visión externa de un profesional siempre te va a ser útil. Es cierto que también debes saber qué tienes entre manos, un corto que vas a rodar sin medios y en el que apenas vas a invertir es cierto que conlleva poco riesgo, pero si has trabajado muy bien tu historia y finalmente te queda algo muy bueno, el trabajo será rentable en el circuito de festivales y conseguirás una gran imagen como cineasta.
9. Tú has participado en más de una veintena de cortometrajes desempeñando diversas funciones. Para ti, ¿cuáles son los errores más comunes en los que caen directores/guionistas noveles que quieren rodar sus historias?
En un primer rodaje, o los primeros, hay muchas cosas que no se tienen en cuenta y son muy, muy importantes. Lo primero el equipo, cuida a tu equipo, dale de comer, no tengas a la gente currando 16 horas y menos con tan sólo un bocadillo, porque para el siguiente corto, nadie te ayudará. Trata bien a la gente, dirigir no es mandar, es motivar, hacer partícipe a todo el mundo del trabajo, que se sientan orgullosos de estar en ese proyecto y eso se consigue fomentando el trabajo en equipo, planificando muy bien, cuidando al equipo. Un buen director es ante todo, un buen gestor de tiempo y recursos. Cosas tan esenciales como que no les falte agua, que tengan algo para picar aunque sean patatas fritas, que puedan tomarse un café en un descansito o que no les marees cambiando 100 veces el plano (esto es un claro síntoma de que no has hecho bien tu trabajo de planificación).
Otra cosa que suele ocurrir es que no se ha ensayado lo suficiente con los actores y esto es esencial si quieres que salga un buen trabajo.
A menudo el éxito de los cortos depende del ambiente que en ellos se vive y eso es algo que genera el que está al frente del proyecto. Motivar no es putear a la gente, ni gritarles, ten en cuenta las opiniones del equipo técnico, sobre todo haz participe desde mucho tiempo atrás al equipo del proyecto, que te ayuden a planificar, trabaja con ellos, no que ellos trabajen para ti, sin ellos no tienes más que algo escrito en un papel, ellos hacen posible tu proyecto.
Y sobre todo trabaja antes de rodar en tener una excelente historia, en adaptarte al equipo y a las necesidades que te surgirán en el rodaje, en planificar bien el tiempo. Si no sabes montar antes de empezar, trabaja la historia con el montador antes de ponerte a rodar para que puedas hacer una buena planificación.
10. Dinos tres cosas que deberíamos tratar de tener en cuenta a la hora de rodar un corto. Y tres cosas que debemos evitar por todos los medios.
No te compliques la vida. Adáptate a tus posibilidades, ayúdate de los que te rodean y cuida al equipo.
Evita planos complicados, piensa más en la historia, el mensaje y el punto de vista que quieres transmitir que en rodar un plano cojonudo que te complicará el rodaje en cuanto a tiempo y dinero, a veces es mejor sacrificar esto para conseguir la historia. Evita jornadas de rodaje demasiado largas. A no ser que te sobren pasta y tiempo, entonces, tómate el tiempo que necesites, pero esto no es muy productivo.
11. ¿Cuántas páginas de guion recomiendas grabar en una sesión de rodaje? ¿Hay un límite recomendado o es algo indiferente?
Pese a que en algunos textos te recomiendan grabar ¾ secuencias por jornada, o un número de planos determinado, es algo tan subjetivo y que va a depender de lo que tienes entre manos, que no me atrevería a decir algo estándar. Lo que sí está claro es que cuanto mejor conozca el equipo el proyecto, y mejor se haya hecho todo el trabajo de preproducción (trabajo con los actores, planificación técnica, etc), mejor gestión del tiempo harás. Pero hay que tener en cuenta que no es lo mismo rodar un plano de una mano moviendo una cucharilla en un café, que un plano en el que hay una batalla de 100 caballeros a caballo.
12. Tienes un ambicioso proyecto en mente, Kreative Front. Háblanos de él.
Bueno ya ha salido de mi mente, llevaba años dándole vueltas porque una de las cosas que más me gusta es dar clase, compartir y aprender. Kreative Front es una escuela audiovisual on-line en la que pretendemos hacer llegar a la gente, una formación adaptada a sus necesidades de tiempo, tanto a nivel de iniciación como en cuanto a la especialización en diferentes áreas. Nos enfocamos a un modelo de producción independiente. Nuestra filosofía es clara, con talento y una cámara, puedes contar tu historia. Tratamos de utilizar nuestra experiencia para facilitar a la gente lo más posible su trabajo y lo pueda enfocar desde el principio en la dirección que quiere. A menudo me he cruzado con gente que desconocía las profesiones que intervienen en una peli y han empezado haciendo algo que después no era lo que querían. Por ejemplo, nadie quiere hacer producción, tiene muy mala prensa, pero sin producción no hay películas, he conocido a gente que se ha gastado un dineral en un máster de guión y después se ha dado cuenta de que lo que le gusta es realizar. En primer lugar debes conocer el mercado, qué se cuece, elegir bien tu disciplina, cómo funciona ese mundo, cómo entrar, qué cosas puedes hacer para darte a conocer, lo mismo en otros campos. Nos enfocamos para trabajar junto a la gente, ofrecemos nuestra asesoría una vez acaben sus proyectos, para mover sus trabajos o llevarlos a cabo y pretendemos ser un centro en el que se produzcan proyectos con el low cost grabado en la frente, potenciando la creatividad y la originalidad.
Helos aquí, dispuestos a conquistar el mundo.
13. Tengo una idea buenísima para un corto. Un trabajador se queda en el paro por culpa de la crisis, con su madrecita en el hospital a punto de morirse, y con su novia enfadada con él porque en realidad es gay y no ha salido del armario. Entonces se entera que lo de su madre es hereditario y que le queda poco de vida. Y todo esto contado en un monólogo interior mirando al estanque de los patos como metáfora de la vida, para reflexionar sobre el estado gaseoso de Neptuno. ¿Tú lo ves o no lo ves?
En principio el conflicto está y es claramente generador de empatía, tengo problemas mientras mi vida pasa ante mis ojos, y yo me estoy cuestionando algo superfluo cuando el espectador va a saber que tengo graves problemas. Te pregunto ¿cómo se resuelve? ¿A dónde llega el protagonista? ¿Qué vamos a ver en la pantalla? ¿Un estanque y una voz en off o hay flashbacks a la madre, la novia, al tipo dentro del armario? ¿Qué hacen los patos?, ¿cúal es el tono? Yo con esto imagino algo cómico, pero como decían en Melinda y Melinda, todo depende del punto de vista del autor. El conflicto me gusta, lo veo, el escenario, no tanto si es fijo y estático, a no ser que los patos estén haciendo algo sorprendente… (pero esto no quiere decir nada, sólo que necesito más información). Eso sí, si lo vas a producir no inviertas un duro, hazlo para divertirte y que algún amigo animador ponga a los patos haciendo la danza de “El lago de los cisnes” mientras salpican al protagonista mirando al estanque y un indigente le echa miguitas de pan.
Yo había pensado más en crear los patos en 3D (estos animales tienen muchas exigencias en rodaje). Pues esto es todo, muchísimas gracias por tu colaboración. Sin duda, todo lo que has dicho es algo que deberíamos tener todos grabados a fuego en la mollera. Mucha suerte con tu plataforma on-line.
Y si tú, lector, quieres saber más sobre ella y su proyecto, aquí te dejo unos cuantos enlaces interesantes:
Kreative Front
Blog de Kreative Front
The Smoke Seller Front
Etiquetas: análisis guion, corto, cortometraje, guion, Kreative Front, Raque Mersí, Raquel Pereira, temática, The Smoke Seller Front
